Hay una frase que escucho una y otra vez, generalmente de personas que se relacionan con la fotografía más como espectadoras que como fotógrafas: «Una fotografía no debe ser retocada; de lo contrario, deja de ser auténtica». A primera vista, esta afirmación puede parecer plausible. Sin embargo, si se analiza con mayor detenimiento, resulta sorprendentemente ajena a la historia de la fotografía.
El retoque ha acompañado a la fotografía prácticamente desde su nacimiento. Ya en el siglo XIX se intervenía sobre negativos y copias fotográficas. Mucho antes de que existieran las herramientas digitales, se trabajaba con lápices, pintura, tinta, cuchillas, raspadores y, más adelante, con aerógrafos. Las imperfecciones de la piel, las cicatrices, el labio leporino, el bocio, las sombras molestas, los errores de exposición o las limitaciones técnicas ya se corregían entonces. Por tanto, el retoque no es en absoluto un producto de Photoshop, sino una parte profundamente arraigada en la historia de la práctica fotográfica. A más tardar en 1880, con manuales como The Art of Retouching Photographic Negatives and Prints, de J. P. Ourdan, el retoque ya se enseñaba de forma sistemática.
Pero incluso al margen del retoque propiamente dicho, la fotografía nunca ha sido una representación neutral de la realidad. Ya en la época analógica, el carácter de una imagen estaba determinado en gran medida por la elección de la película. Quien fotografiaba no elegía únicamente un motivo, sino también un lenguaje visual concreto. Las distintas películas poseían diferentes estructuras de grano, rangos de contraste, reproducciones cromáticas y valores tonales. Una película Kodak generaba una atmósfera diferente a una Fuji, mientras que una película clásica en blanco y negro producía una profundidad y una textura de grano distintas a las de una película de retrato de grano fino. Por tanto, la propia elección del material ya constituía una intervención estética consciente. En otras palabras: la imagen se configuraba mucho antes de la existencia de Photoshop. No solo en el cuarto oscuro, sino desde el mismo momento en que se elegía el material fotográfico.
Sin embargo, hay un aspecto que considero esencial y que a menudo se pasa completamente por alto en este debate: para mí, la verdadera imagen no nace en la cámara. Con frecuencia existe mucho antes de que comience la sesión fotográfica. Antes de que la modelo empiece a posar, antes de colocar la iluminación, antes incluso de tomar la cámara entre las manos, la imagen ya está presente en mi mente: a veces como una composición clara, a veces como una atmósfera, como una idea de iluminación o como una tensión emocional entre la luz, la sombra y el cuerpo.
En este sentido, la sesión fotográfica no es el comienzo de la imagen, sino una etapa de su realización. La toma me proporciona la materia prima. Utilizo esta expresión de manera totalmente consciente. Del mismo modo que un escultor trabaja con piedra o madera, yo trabajo con materia prima fotográfica. La cámara me proporciona la información a partir de la cual se da forma a la obra propiamente dicha.
Yo fotografío siempre en formato RAW. Para mí es importante. Un archivo RAW no es una imagen terminada. Es un formato de datos en bruto que conserva una enorme cantidad de información: luces, sombras, datos de color y amplias reservas dentro de la gama tonal. Precisamente por eso, un RAW sin revelar suele parecer plano, gris y casi decepcionante. No porque sea malo, sino porque todavía no ha sido elaborado. Puede compararse con un negativo en el cuarto oscuro analógico. La imagen propiamente dicha solo surge a través del proceso de revelado.
También la imagen producida por un smartphone ya ha sido procesada. Muchas personas no son conscientes de ello. Una fotografía tomada con un teléfono móvil no es en absoluto «auténtica» ni está libre de edición. Al contrario: depende en gran medida del software. Según el fabricante y el modelo de la cámara, los algoritmos deciden qué zonas deben destacarse, cómo aumentar el contraste, cómo interpretar los colores, cómo representar los tonos de piel, cuánto aclarar las sombras y cómo reforzar la nitidez de los detalles. A menudo, varias tomas se combinan en una única imagen en fracciones de segundo, sin que la persona que fotografía sea siquiera consciente de ello.
Las distintas cámaras y smartphones tampoco producen imágenes idénticas. Si se fotografía la misma escena con varios dispositivos en modo JPEG, los resultados pueden diferir considerablemente. No necesariamente porque uno sea correcto y otro incorrecto, sino porque los fabricantes establecen prioridades diferentes. Algunos smartphones producen deliberadamente colores más intensos, sombras más luminosas, contrastes más marcados y una nitidez más evidente. Las imágenes parecen inmediatamente brillantes, llamativas y casi preparadas para las redes sociales. Otros dispositivos prefieren colores más contenidos, valores tonales más equilibrados o una interpretación diferente de los tonos de piel. Por tanto, la imagen supuestamente «sin editar» ya ha sido interpretada, aunque no por la fotógrafa o el fotógrafo, sino por el software y, en última instancia, por quienes desarrollaron el sistema para el fabricante.
El formato JPEG tampoco es neutral. Un JPEG ya es el resultado de una selección. De toda la información disponible, algunos datos se priorizan, mientras que otros se comprimen o se descartan de manera definitiva. El contraste, la saturación del color, la nitidez, la reducción del ruido y la reproducción tonal ya han sido modificados antes incluso de que la imagen aparezca en la pantalla.
Como fotógrafo que revela personalmente sus archivos RAW, tomo estas decisiones de forma consciente. Decido qué información de la imagen capturada deseo destacar: cuán claras u oscuras deben aparecer las sombras, cuánto detalle debe conservarse en las altas luces, con qué intensidad deben mostrarse los contrastes, qué valores tonales deben adquirir protagonismo, cómo deben interpretarse los colores y qué atmósfera debe transmitir la imagen terminada. De este modo, asumo personalmente la responsabilidad del revelado de mi imagen.
Quien, por el contrario, rechaza por principio la edición fotográfica y toma sus fotografías exclusivamente en formato JPEG no renuncia al procesamiento de la imagen. Simplemente deja ese procesamiento en manos de otros. En este caso, el software de la cámara o del smartphone decide qué colores se intensifican, qué sombras se aclaran, cómo se controlan las altas luces, cuánto se aumenta la nitidez de los detalles y en qué medida se reduce el ruido. Las decisiones estéticas siguen tomándose, solo que no las toma la persona que fotografía, sino, en gran medida, quienes desarrollaron el sistema de la cámara correspondiente.
Por tanto, la alternativa no es: «¿Editada o sin editar?». La verdadera pregunta es: «¿Quién decide cómo se revela la imagen?». ¿El fotógrafo o el fabricante de la cámara o del smartphone? Ambas imágenes han sido procesadas.
La idea de que una imagen obtenida directamente de la cámara es automáticamente «natural» se basa, por tanto, en un malentendido. La cámara no representa el mundo del mismo modo en que lo percibe el ojo humano. Los selfis de grupo realizados con un smartphone son un ejemplo especialmente claro. Para que quepa el mayor número posible de personas en el encuadre, normalmente se utilizan objetivos muy gran angulares. Como consecuencia, quienes se encuentran cerca de los bordes de la imagen pueden aparecer considerablemente más anchos o deformados. Los rostros se ensanchan, las cabezas pueden parecer más grandes y las proporciones corporales pueden cambiar. Cuanto más cerca se encuentra la cámara y cuanto más alejada del centro del encuadre está una persona, más evidente puede resultar este efecto.
Esta no es una característica de la persona fotografiada. Es el resultado de la perspectiva, de la corta distancia entre la cámara y el sujeto, del objetivo gran angular y de la forma en que una realidad tridimensional se proyecta sobre una superficie plana.
Una vez mostré precisamente este efecto a una conocida. Poco antes me había explicado que rechazaba cualquier forma de edición fotográfica. En su opinión, las imágenes debían ser «completamente naturales». Sin embargo, en un selfi de grupo, su rostro aparecía considerablemente más ancho de lo que era en realidad porque se encontraba cerca del borde de una imagen tomada con gran angular. Corregir posteriormente esa distorsión no la habría hecho artificialmente más delgada ni habría creado un ideal de belleza irreal. Simplemente habría reducido una deformación causada por la técnica fotográfica.
¿Qué sería entonces más natural en este caso? ¿La imagen sin editar, que deforma visiblemente a una persona? ¿O la imagen procesada, que se aproxima más a su apariencia real? La respuesta es mucho menos evidente de lo que sugiere la frase «Una fotografía no debe ser retocada».
La idea de que una cámara representa el mundo exactamente como lo ve el ojo humano es fundamentalmente errónea. La visión humana no consiste en una única imagen congelada. Nuestros ojos se mueven constantemente. Se adaptan a distintos niveles de luminosidad, perciben los detalles de manera selectiva, modifican el enfoque y proporcionan continuamente nueva información al cerebro. El cerebro conecta, completa, prioriza e interpreta estas impresiones. Una cámara, en cambio, congela un único instante: con una determinada distancia focal, desde una distancia y una perspectiva concretas, con una velocidad de obturación definida, una apertura específica y un rango dinámico limitado.
Incluso la elección del objetivo modifica la apariencia de una persona. Una distancia focal corta utilizada a poca distancia puede acentuar la nariz y la frente y distorsionar las zonas próximas a los bordes de la imagen. Una distancia focal más larga utilizada desde una distancia mayor suele hacer que los rasgos faciales parezcan más tranquilos y que las proporciones resulten más armoniosas. ¿Cuál de estas representaciones sería entonces la «auténtica»?
Precisamente por eso, la edición fotográfica no es para mí una simple forma de corrección, sino una parte integral del proceso creativo. Especialmente en mi fotografía artística, la obra propiamente dicha surge a menudo durante el proceso de elaboración. Esto es particularmente evidente en la fotografía en blanco y negro. Nada sucede allí con un solo clic, aunque las redes sociales y la cultura de los ajustes preestablecidos puedan sugerirlo en ocasiones. Los valores tonales, el punto negro, las altas luces, los tonos medios, los contrastes locales, el dodge & burn, la estructura del grano, el microcontraste y el viñeteado se controlan con precisión.
Solo en Photoshop se desarrolla plenamente aquella imagen interior que ya existía en mi mente antes de la sesión fotográfica. Allí doy forma a los valores tonales, la dirección de la luz, los espacios de sombra, los contrastes y la atmósfera final para que correspondan a la visión que ha guiado todo el proceso desde el principio. Esto no significa que todo esté planificado de manera rígida. Al contrario. Precisamente al trabajar con la modelo —con la luz, la postura y la expresión— surgen a menudo nuevos impulsos que desarrollan y transforman la imagen original. Sin embargo, la idea, la atmósfera fundamental y la arquitectura interior de la imagen suelen estar ya presentes. En este proceso, la imagen no se falsifica, sino que se traduce a su propio lenguaje.
Al mismo tiempo, hay un aspecto crítico que considero especialmente importante. Existe una forma de manipulación fotográfica que considero muy problemática: la creación de un ideal de belleza inalcanzable. Cuando los ojos se agrandan artificialmente, los pechos se remodelan, el cuello y las piernas se alargan, el abdomen se reduce, la piel se vuelve completamente carente de poros y el cabello se densifica hasta alcanzar lo irreal, llega un momento en que el resultado ya no es una mujer, sino un personaje de cómic.
Mi crítica no se dirige únicamente contra la distorsión estética en sí, sino, sobre todo, contra el efecto que este tipo de imágenes puede producir. Especialmente las chicas jóvenes pueden intentar imitar un ideal que sencillamente es inalcanzable. Pueden pasar hambre, entrenar de forma extrema o someter sus cuerpos a un sufrimiento constante y, aun así, nunca alcanzar ese modelo de belleza creado artificialmente, porque no existe en la realidad.
Un ejemplo conocido es la representación, ampliamente difundida, de cómo sería Barbie si fuera una mujer real. La traslación de sus proporciones a la anatomía humana demuestra, de una manera casi inquietante, hasta qué punto este ideal de belleza es irreal. Invito expresamente a la estimada lectora y al estimado lector a buscar «Nickolay Lamm – Normal Barbie» o «Lammily». Esta comparación permite ver con claridad hasta qué punto ciertos ideales de belleza difundidos por los medios pueden alejarse de las proporciones de un cuerpo humano real.
Considero que esto representa un peligro real.
Existen innumerables maneras de hacer que una persona aparezca bella en una fotografía sin distorsionar su identidad. La iluminación, la perspectiva y la pose pueden modificar por sí solas y de manera considerable la percepción de un cuerpo. Un ligero giro del cuerpo, la barbilla un poco elevada, una línea diferente de los hombros, una luz lateral más dura o una sombra controlada pueden crear la impresión visual de una diferencia considerable de peso, sin necesidad de ninguna manipulación digital.
Por supuesto, el retoque también forma parte de mi trabajo. Elimino imperfecciones temporales de la piel, equilibro irregularidades tonales que distraen, modelo la luz y la sombra y corrijo elementos técnicos molestos. Pero la mujer, la modelo o la clienta debe seguir reconociéndose en la imagen. Precisamente ahí comienza, para mí, la responsabilidad.
Por tanto, la pregunta decisiva no es: «¿Ha sido editada esta imagen?». Prácticamente todas las imágenes fotográficas han sido interpretadas de alguna manera: a través del objetivo, el sensor, la película, el software de la cámara, el proceso de revelado o la posterior edición fotográfica.
La pregunta más importante es: «¿Qué se ha modificado y con qué finalidad?». ¿Sirve la edición para hacer visible una idea fotográfica, desarrollar una atmósfera, corregir distorsiones causadas por la técnica o representar a una persona de una manera que se corresponda con cómo puede ser percibida realmente? ¿O sustituye a una persona real por un ideal artificial al que ningún cuerpo real podría llegar a corresponder?
Ahí es donde, para mí, se encuentra el límite. Y ahí reside también el verdadero arte: no sustituir a la persona, sino hacerla visible bajo la mejor luz.