Der werten Leserin und dem geschätzten Leser wird es vielleicht aufgefallen sein: In regelmäßigen Abständen entzündet sich eine öffentliche Diskussion daran, was Kunst sei – und was nicht. In Österreich war es jüngst der sogenannte „Pudertanz“, der für entsprechende Aufregung sorgte. Der Vorwurf ist schnell formuliert. Das sei keine Kunst. Dafür öffentliche Gelder auszugeben, sei eine Zumutung. Es wirke beliebig, provozierend, vielleicht auch einfach schlecht.
Man könnte diese Diskussion nun auf der Ebene des Geschmacks führen. Gefällt mir oder gefällt mir nicht. Das ist legitim, aber wenig ergiebig. Interessanter ist eine andere Frage: Warum entsteht dieser Widerstand überhaupt? Denn die Ablehnung richtet sich selten nur gegen das konkrete Werk. Sie richtet sich gegen etwas Grundsätzlicheres – gegen das Gefühl, dass hier Regeln außer Kraft gesetzt wurden. Ein Tanz, der nicht als Tanz erkennbar ist. Ein Werk, das sich nicht sofort erschließt. Eine Form, die sich nicht in bekannte Kategorien einordnen lässt. Das erzeugt Irritation.
Und Irritation ist in der Kunst kein Betriebsunfall. Sie ist oft Absicht. Das Problem beginnt dort, wo wir Kunst mit Bestätigung verwechseln. Wo wir erwarten, dass ein Werk das liefert, was wir bereits kennen: Schönheit, Virtuosität, handwerkliche Brillanz, erkennbare Form. Wenn diese Erwartungen nicht erfüllt werden, entsteht schnell der Eindruck, es handle sich um Täuschung. Um ein Spiel, das nur funktioniert, weil es niemand wagt, es in Frage zu stellen.
Diese Skepsis ist nicht neu. Werke, die heute als selbstverständlich gelten, wurden in ihrer Zeit belächelt, abgelehnt oder schlicht nicht verstanden. Das bedeutet nicht, dass jede Irritation automatisch Kunst ist. Nicht alles, was verstört, ist relevant. Nicht alles, was provoziert, hat Substanz. Es gibt schlechte Kunst. Und es gibt Werke, die sich hinter Unverständlichkeit verstecken. Die Schwierigkeit liegt darin, beides auseinanderzuhalten.
Und genau hier wird die Diskussion unerquicklich. Denn die Forderung „Das ist keine Kunst“ ist letztlich keine Analyse. Sie ist ein Abbruch der Auseinandersetzung. Sie sagt nicht, was fehlt. Sie sagt nur, dass etwas nicht passt.
Vielleicht ist es an dieser Stelle sinnvoll, einen Schritt zurückzutreten. Die Frage, was Kunst ist, wird uns noch beschäftigen. Ausführlicher, als es in diesem Rahmen möglich wäre. Es gibt dazu ganze Bibliotheken, Theorien, Schulen, Gegentheorien – und keine davon hat es geschafft, eine endgültige Antwort zu liefern. Das allein sollte misstrauisch machen. Denn wenn sich etwas so hartnäckig einer klaren Definition entzieht, liegt das Problem vielleicht nicht im Gegenstand, sondern in unserem Bedürfnis, ihn festzulegen.
Ich besuche regelmäßig Galerien und beschäftige mich noch nicht besonders lange mit zeitgenössischer Kunst. Aber mir wäre nie in den Sinn gekommen, vor einem Werk zu stehen und zu sagen: „Das ist keine Kunst.“ Ich verstehe vieles nicht. Und das ist zunächst einmal alles. Ich verstehe auch Quantenphysik nicht. Das hindert sie nicht daran, zu existieren. Ich verstehe nicht im Detail, wie meine Fernbedienung funktioniert. Trotzdem erfüllt sie ihren Zweck. Mein Nichtverstehen ist kein Maßstab für deren Gültigkeit.
Warum sollte es bei Kunst anders sein?
Vielleicht liegt das Problem nicht darin, dass etwas „keine Kunst“ ist, sondern darin, dass ich keinen Zugang dazu habe. Dass mir die Sprache fehlt, in der dieses Werk spricht. Denn Kunst ist kein einheitliches System. Sie funktioniert nicht nach einer einzigen Logik. Jede Epoche, jede Strömung, oft sogar jedes einzelne Werk bringt ihre eigene Sprache mit. Und wie bei jeder Sprache gilt: Man kann sie verstehen, man kann sie lernen – oder man versteht sie nicht. Aber das sagt zunächst nichts über die Sprache selbst aus.
Vielleicht erfüllt ein Werk einen Zweck, den ich nicht erkenne. Vielleicht spricht es eine Ebene an, zu der ich keinen Zugang habe. Vielleicht setzt es etwas voraus, das mir fehlt. Das ist kein Fehler. Es ist eine Grenze. Meine.
Und vielleicht liegt genau hier der blinde Fleck dieser ganzen Diskussion. Wir streiten darüber, ob etwas Kunst ist oder nicht – als wäre damit bereits alles gesagt. Dabei sagt diese Zuschreibung zunächst erstaunlich wenig aus. Sie entscheidet im Zweifel darüber, ob auf ein Ticket 13 oder 20 Prozent Mehrwertsteuer anfallen. Sie entscheidet darüber, in welchem Kontext etwas gezeigt wird, unter welchem Etikett. Aber sie sagt zunächst nichts darüber aus, ob ein Werk Aufmerksamkeit verdient – und noch weniger darüber, ob es sie bekommt.
Denn Aufmerksamkeit entsteht nicht durch Definition. Sie entsteht durch Wirkung.
Die Frage, ob etwas öffentliche Gelder erhält, führt in eine andere Richtung. Und dort wird es unübersichtlich. Denn hier geht es nicht mehr nur um Kunst. Es geht um Entscheidungen. Um Prioritäten. Um die Frage, was eine Gesellschaft für relevant hält – und was nicht.
Und genau hier beginne auch ich zu schwanken.
Nicht beim Pudertanz. Dort kann ich zumindest nachvollziehen, worin die Irritation besteht und welche Fragen dahinterstehen könnten. Schwieriger wird es für mich bei Arbeiten, bei denen selbst meine Bereitschaft zur Offenheit an eine Grenze stößt. Vor kurzem wurde etwa ein Projekt diskutiert, bei dem ein Becken mit Urin als Teil einer geförderten Arbeit präsentiert wurde. Und ich muss ehrlich sagen: Dort steige auch ich innerlich aus.
Aber vielleicht ist gerade das interessant.
Denn mein Ekel oder mein Widerstand beantworten noch nicht die Frage, ob etwas Kunst ist oder nicht. Sie beantworten zunächst nur die Frage, ob ich persönlich einen Zugang dazu finde. Das ist etwas völlig anderes.
Vielleicht ist ein Werk unerquicklich, banal oder leer. Vielleicht lebt es tatsächlich nur noch von Provokation und medialer Aufmerksamkeit. Vielleicht erschöpft sich die Irritation irgendwann in Routine. Auch das halte ich für möglich. Seit Marcel Duchamp und seinen Ready-mades wurde der Kunstbegriff so weit geöffnet, dass Provokation allein längst kein ausreichendes Qualitätsmerkmal mehr ist. Ein Urinal im Museum war einmal ein radikaler Angriff auf den Kunstbegriff. Heute ist die bloße Grenzüberschreitung selbst fast schon Tradition geworden.
Aber auch daraus folgt nicht automatisch: „Das ist keine Kunst.“
Vielleicht ist es schlechte Kunst. Vielleicht irrelevante Kunst. Vielleicht eine Arbeit, deren Wirkung sich für mich nicht erschließt. Vielleicht auch eine Arbeit, die den institutionellen Schutzraum der Kunst stärker benötigt als ihre eigene Substanz. All das mag sein. Aber keine dieser Möglichkeiten lässt sich sauber mit der simplen Formel „Das ist keine Kunst“ erfassen.
Und genau deshalb wird die Diskussion oft unerquicklich. Die einen verteidigen reflexhaft alles, sobald es im Museum steht. Die anderen lehnen ebenso reflexhaft alles ab, was irritiert oder provoziert. Beide Seiten wirken dabei oft erstaunlich sicher. Vielleicht sogar zu sicher.
Denn vielleicht liegt die eigentliche Schwierigkeit darin, Unsicherheit auszuhalten.
Vielleicht wäre es daher sinnvoller, die Frage anders zu stellen. Nicht: Ist das Kunst? Sondern: Ist es relevant genug, dass wir uns damit auseinandersetzen wollen?
Die Antwort darauf kann unterschiedlich ausfallen.
Und genau das ist in Ordnung.